La peinture à l’huile est la méthode de peinture la plus populaire et influente de l’histoire de la peinture occidentale. Parmi les œuvres picturales traditionnelles occidentales, la peinture à l’huile a traditionnellement été la forme de peinture la plus populaire et la plus appréciée. Comme beaucoup d’artistes ont reçu d’importantes commissions de la part des dirigeants religieux, les peintures à l’huile étaient principalement crées pour glorifier la magnificence de Dieu et du Paradis, la haute moralité et les exploits des sages, ainsi que la beauté des paysages naturels et des traditions populaires. Les portraits d’humains et d’animaux étaient notamment les sujets les plus représentés par la peinture à l’huile et ont atteint les hauts niveaux d’excellence des techniques de la peinture à l’huile réaliste occidentale.

Depuis les temps où la peinture à l’huile est apparue, la peinture réaliste humaine a progressé et décliné : ses techniques sont passées de l’immaturité à la maturité, avec différents styles à différentes étapes. Avec la dégénérescence de la société et des valeurs morales, la peinture réaliste n’a plus été considérée comme la forme d’expression artistique la plus populaire. Finalement, le réalisme s’est extrait de la réalité à la fin du 18e siècle et continue sa transformation dans les temps présents. L’art moderne a annoncé de nombreux styles inventifs de peinture et d’œuvres d’art qui ont apporté différentes approches pour faire de l’art plutôt que du réalisme. Ces œuvres se concentrent sur l’expression des valeurs glissantes, des atrocités et de la confusion du monde moderne et impliquent souvent des idées personnelles, révélant une surabondance de sentiments et de concepts troublants.Le réalisme ne s’est jamais complètement évanoui, il était temporairement, simplement moins populaire qu’auparavant. Cependant, nous pensons que les arts doivent obéir à certaines normes, et que les œuvres d’art doivent contenir la véritable bienveillance et la grâce afin qu’elles puissent subsister sur de longue périodes de temps en aidant les gens à s’élever vers des dimensions plus élevées. Les œuvres classiques nous ont été léguées de générations en générations immortalisant la sagesse, l’intelligence et les efforts appliqués de nos ancêtres ainsi que les valeurs durables d’authenticité, de bienveillance et de beauté que les êtres humains chérissent. Alors que les êtres humains ont perdu leurs repères esthétiques et semblent adopter une série de valeurs confuses et une incapacité de discernement sensé, cet héritage précieux est devenu une référence importante pour que les humains ravivent ces valeurs artistiques traditionnelles.

En terme de création artistique, apprendre des gens du passé ne signifie pas être enchaîné aux anciennes conventions. Pendant les périodes culturellement prospères de l’histoire, c’est grâce à l’héritage culturel profondément enraciné de nos ancêtres que les gens de ces périodes ont été capables de prospérer, enrichir leur culture et créer de nouvelles dimensions. Chaque artiste à ses propres traits de caractère, de pensées et d’émotions ainsi que ses propres concepts de la création et de l’impact de l’environnement. Les artistes inventifs qui ont ces idéaux fermement implantés en eux sauraient certainement trouver un équilibre en accord avec la signification de notre époque contemporaine pour créer leurs propres styles. L’objectif de ce Concours International de Peinture de Portrait à l’Huile de NTDTV, est d’aider les gens à retrouver les valeurs artistiques traditionnelles avec la véritable bienveillance et beauté. Entre-temps, cela donnera aux artistes l’opportunité de se purifier eux-mêmes et d’élever leurs compétences de peintre.

Par conséquent, il est encore une fois essentiel et significatif de s’appuyer sur l’héritage et les valeurs de notre peinture à l’huile traditionnelle.

1. Le réalisme[1]caractérise les arts traditionnels occidentaux et le critère pour évaluer les arts.

Les arts occidentaux ont mis l’accent sur l’imitation réaliste d’objets naturels pour atteindre une sensation de réalité visuelle depuis les temps anciens. En conséquence, le « réalisme » est un critère de base pour juger les réalisations d’un artiste et est une caractéristique importante des arts d’excellence occidentaux. L’essence du réalisme peut être retracée depuis l’antiquité, comme par exemple avec la statue antique pleine de vie de Néfertiti, reine de l’Egypte ancienne, ainsi que les sculptures artistiques en Grèce et à Rome qui sont la combinaison de réalisme et d’idéalisme. Des exemples d’œuvres exposant à la fois le réalisme et des conceptions peuvent être trouvés de partout.

Les matériaux et les techniques étant limités, les peintures de l’ancien temps étaient loin d’être réalistes et vivantes. Il a fallu attendre la Renaissance pour que des percées en terme de concepts, de techniques et de matériaux permettent à la peinture de culminer à une magnificence sans précédents.

Les points suivants exposent quelques progrès majeurs de la peinture réaliste pendant la Renaissance :

1. Application de la méthode de perspective qui a mené à l’élargissement des peintures depuis un plan à deux dimensions vers une forme à trois dimensions.
2. Des techniques ont été développées pour mettre en avant et dramatiser les valeurs de luminosité et d’obscurité des peintures et ont contribué à l’accentuation de la perception tridimensionnelle et du sentiment de poids.
3. De nouvelles compréhensions des proportions naturelles et de l’échelle du corps humain, couplées avec l’avancement de l’anatomie, ont amené la précision dans la représentation de la structure humaine et ont multiplié les postures dans une variété de positions.
4. Des représentations plus vivantes et réalistes de l’état intérieur de l’homme et de ses émotions.
5. Un renforcement de la qualité par l’obtention du sentiment précis et détaillé de la délicatesse d’un objet.

Ces avancées dans la peinture réaliste pendant la Renaissance, ont établi une fondation solide pour la peinture authentique occidentale et pour les centaines d’années qui ont suivi, et ont permis l’adoption de normes pour évaluer les tableaux réalistes. Le succès de la peinture réaliste a été possible grâce à l’amélioration des matériaux, et entre autres, l’invention de la peinture à l’huile a joué un rôle décisif.

2. Prospérité et Gloire de la Peinture à l’Huile

Origine

Les anciens utilisaient des liants à base d’huile comme pigments et l’appliquaient sur des objets. Initialement les huiles servaient de vernis qu’on appliquait sur les peintures, les sculptures et la tempera à l’œuf. C’est seulement au tout début du 15e siècle qu’un liant stable, avec un temps de séchage progressif, a été inventé. Cette nouvelle substance a progressivement remplacé le jaune et le blanc d’œuf utilisés dans la technique de la tempera à l’œuf. Deux artistes flamands, Hubert et Jan van Eyck ont expérimenté des mélanges d’huiles de lin et de noix et de la résine pour créer des mediums à peindre. Ces nouveaux médiums à peindre et pigments ont produit une peinture de texture fine qui restait humide plus longtemps, donnant la possibilité à l’artiste d’esquisser parfaitement les formes des portraits. De plus, les tons des pigments ne changeaient pas au séchage et leurs éclats se préservaient longtemps. Les fresques peintes à la tempera à l’œuf n’avaient pas les avantages de la peinture à l’huile. En conséquence, les liants de la peinture à l’huile sont devenus populaires parmi les artistes. Pendant la Renaissance, quand les artistes recherchaient la réalité et la perfection, la naissance de la peinture à l’huile fut comme un cadeau opportun venu des cieux et a apporté des changements positifs à l’art pictural.

À ses débuts, la peinture à l’huile a hérité de la réalité élaborée des peintres d’Europe du Nord

Spécialiste de la description délicate, l’artiste nord-européen, Jan van Eyck, était un peintre reconnu pour ses méticuleuses copies manuscrites. En inventant des peintures à liants huileux appliquées sur des panneaux en bois, il a combiné les styles artistiques gothiques avec les techniques de peintures à l’huile. Des chefs-d’œuvre de translucidité et de textures délicates tels que La Vierge du chancelier Rolin et Les Époux Arnolfini ont alors été créés. Les artistes construisaient patiemment les portraits en couches jusqu’à ce que l’intensité et la profondeur des couleurs soient multipliées ensemble. Il en résultait un objet à la texture d’une délicatesse et d’une vivacité sans précédent. Bien sûr, les tableaux de Jan van Eyck et des artistes d’Europe du Nord n’étaient pas complètement réalistes. Bien que ces peintures présentaient des textures délicates, les portraits dépeints apparaissaient rigides et non naturels. Comparé aux artistes italiens, Jan van Eyck et d’autres artistes nord-européens, avaient encore beaucoup de chemin à parcourir avant de pouvoir représenter de façon appropriée les proportions et l’esthétique du corps humain.

Les artistes italiens glorifient la peinture à l’huile

En 1475, Antonello de Messine (1430-1479), un artiste italien influencé par l’art flamand, introduit les technique de la peinture à l’huile à Venise. La peinture à l’huile est ainsi devenue populaire en Italie.

Avec l’invention de liants à base d’huile, les artistes italiens qui avaient déjà une bonne maîtrise de la peinture réaliste, ont trouvé la peinture à l’huile facile à employer et ont inventé de nouvelles techniques pour peindre avec. Les artistes de Venise préféraient établir les fondations en marron en ajoutant du blanc à la fresque, y apportant une qualité d’opacité. En conséquence, le tableau apparaissait comparativement sombre. Pendant ce temps, Léonard de Vinci (1452-1519), utilisait pour ses peintures la technique du Sfumato et déployait à leur maximum les attraits de la peinture à l’huile. Les couleurs en couches successives utilisées pour représenter les changements progressifs de l’ombre et de la lumière, dépeignaient bien la texture tendre de la peau et l’atmosphère générale du tableau apparaissait douce et mystérieuse. Raphaël (1483-1520), célèbre pour son chef-d’œuvre en buon fresco, une technique dans laquelle le pigment est mélangé avec de l’eau et peint sur une surface en calcaire ou en plâtre, appelé L’école d’Athènes, était aussi connu comme étant un excellent peintre à l’huile. Raphaël a combiné la sagesse et l’expérience des peintres précédents avec de savantes techniques réalistes, en composant des portraits qui employaient les valeurs classiques de la Renaissance. Par exemple, La Petite Madone Cowper de Raphaël présentait une image de pure bienveillance et de pure beauté dans le monde humain. L’expression sur les portraits apparaissait noble et était accompagnée d’une texture exquise et substantielle des vêtements et des objets. Un autre chef-d’œuvre appelé La Transfiguration, peint par Raphaël alors âgé, combine habilement deux scènes en une. Les deux scènes différentes correspondent l’une avec l’autre et les expressions vivantes des personnages ainsi que leurs postures remplissent le tableau d’entrain et de vivacité. La peinture à l’huile des artistes de la Renaissance l’a ainsi élevée à un autre niveau sans précédent.

Puisque les artistes de Venise peignaient souvent sur les murs des demeures des riches marchands, ils ont remplacé les panneaux par des toiles. Ce changement s’est manifesté par des œuvres de grandes tailles. Par la suite, les toiles ont été rendues très populaires et sont devenues le support principal de la peinture à l’huile. En même temps, grâce à la disponibilité de ses matériaux et à son expressivité, la peinture à l’huile a progressivement remplacé les autres formes de peinture pour devenir le plus important médium à peindre de l’époque.

L’essence du Classicisme : Fusionner l’Idéalisme et le Réalisme

Le réalisme est sans aucun doute l’un des plus importants accomplissements de la peinture de la Renaissance. Cependant, la Renaissance s’exprime aussi par le renouveau du classicisme. Le classicisme tire son origine dans la poursuite de la perfection des formes et des valeurs éternelles, auxquelles adhéraient strictement les artistes de l’antiquité Gréco-Romaine. Le classicisme met en valeur la rationalité, la clarté, l’ordre, l’harmonie des proportions, la pureté structurelle et l’équilibre. Il chérit la beauté comme un tout, ce qui englobe également d’autres vertus telles que la noblesse, la dignité, la légèreté et l’implication. En d’autres termes, l’art n’est pas seulement une imitation vivante de la nature : il recherche aussi la manifestation d’idéaux, de paradigmes parfaits en s’inspirant des formes et de la beauté de la nature afin d’atteindre les magnifiques et éternelles valeurs spirituelles. Ainsi, le classicisme se caractérise généralement par la perfection de la forme, la tranquillité, l’implication, l’élégance et la sérénité. Éveillés par la découverte d’anciennes reliques, les peintres de la Renaissance ont combiné un idéal de beauté avec un esprit réaliste et ont atteint des résultats sans précédent. Leurs peintures ont établi un paradigme pour les périodes ultérieures.

Les exploits des artistes peintres italiens pendant la Renaissance ont incité des artistes de toute l’Europe à voyager en Italie pour étudier les antiquités et apprendre de nouvelles techniques et connaissances. En conséquence, la peinture à l‘huile classique qui combine idéalisme et réalisme s’est diffusée dans toute l’Europe. Pendant ce temps, des académies d’art ont commencé à s’établir pour former des professionnels et transmettre ce riche héritage artistique.

Classicisme et Académies d’Art

La première académie d’art a été fondée à Florence en Italie en 1562 par Giorgio Vasari (1511~1574) qui l’a appelée Accademia dell’Arte del Disegno. Les étudiants y étaient formés aux compétences picturales mais aussi à l’anatomie et à la géométrie. Une autre académie, l’Accademia di San Luca fut fondée à Rome une décennie plus tard. L’Accademia di San Luca avait une fonction éducationnelle et se concentrait plus sur la théorie de l’art.

En reprenant le modèle de l’Accademia di San Luca, la France fonda l’Académie royale de peinture et de sculpture[2] en 1648 sous le règne de Louis XIV. Le principe artistique directeur de l’Académie française était : « La peinture doit suivre le courant de la rationalité. » Afin d’atteindre une précision digne du vivant, des techniques telles que la perspective, les proportions mathématiques du corps humain, la composition stable du modèle et des compétences de développement de valeurs tonales étaient toutes des matières indispensables à l’apprentissage. Depuis, des académies telles que l’England’s Royal Academy, qui imitaient le style et les méthodes d’enseignement de l’Académie Française ont été fondées dans toute l’Europe. L’instruction formelle théorique et académique est devenue une tradition de la peinture occidentale.

Nicholas Poussin[3], un peintre français qui a profondément influencé le courant de pensée de l’Académie Française a dit : « Une peinture doit incorporer les connotations morales les plus hautes, illustrées au travers de la structure qui peut en retransmettre les contenus cognitifs. » Ainsi, selon la philosophie d’éducation des académies d’art, une création artistique doit maîtriser les techniques de la représentation réaliste, incarner l’esprit classique et transporter des valeurs traditionnelles telles que la croyance et la morale, et discrètement exercer une l’influence sur la société.

L’excavation d’objets antiques à Pompéi au 18e siècle, a lancé une nouvelle vague d’intérêt public pour l’étude des arts anciens. En plus d’apprécier et d’étudier les arts de la Renaissance, les gens essayaient également d’étudier directement les arts classiques gréco-romains. Au début du 19e siècle, alors que Napoléon [4] était au pouvoir, il a développé les beaux-arts avec antique magnificence et dignité. Il a aussi conduit les experts et les érudits à rassembler et à rechercher les arts classiques. Il n’a pas ménagé ses efforts pour mettre en avant le néo-classicisme. Plutôt que d’imiter directement les antiquités, l’essence authentique du néo-classicisme était d’imiter l’esprit du sens esthétique. Le néo-classicisme se caractérisait principalement par la moralité, la solennité, le sérieux et l’esprit réaliste du dévouement aux principes.

Après avoir été désigné peintre de la cour par Napoléon, le français Jacques-Louis David, (1748-1825) a dominé le cercle de la peinture française en utilisant des idéaux classique-réalistes. David sélectionnait méticuleusement les objets de ses peintures en recherchant des preuves archéologiques et en se concentrant sur l’authentique peinture réaliste. Il choisissait souvent comme sujets de ses peintures des anciens mythes et légendes, des épisodes historiques héroïques ou des évènements contemporains remarquables. Au travers de manifestations solennelles mais énergétiques, ses peintures mettaient en valeur une morale humaine dignifiée et des pensées nobles, dans le but de rappeler au public les évènements du passé. Dans la forme, il mettait l’accent sur la rationalité et utilisait les dessins de la Renaissance comme base pour ses peintures. Il en a résulté la révélation des caractéristiques du genre classique de pureté et de clarté, comprenant la précision de la composition, de l’harmonie générale des formes, des couleurs et des valeurs, mais aussi de la délicatesse de l’ensemble de l’œuvre.

L’Art Académique de l’époque précédente

Bien que les concepts artistiques traditionnels étaient encouragés par les cercles académiques, ils étaient en conflit avec la dégénérescence des normes morales et les tendances laïcs. À la fin du 19e siècle, le peintre français William Adolphe Bouguereau (1825-1905), insistait sur son style artistique académique et était opposé au style populaire de l’époque, connu sous le nom d’« impressionnisme ». Il a dit à ses étudiants : « L’on doit rechercher la vérité et la beauté Monsieur ! Comme je dis toujours à mes élèves, vous devez travailler jusqu’à la dernière touche ! Il n’y a qu’un seul genre de peinture. C’est la peinture qui présente l’œil avec perfection, le genre de belle et impeccable émail qu’on trouve chez Véronèse et Titien. » En plus d’Adolphe Bouguereau, plusieurs autres peintres insistaient simultanément sur l’importance de leur mission historique à la même période. Frederic Leighton, (1830-1896) aux Royaume-Unis, Sir Lawrence Alma-Tadema (1836-1912) aux Pays-Bas, sont deux exemples d’artistes qui étaient célèbrent de leur vivant mais qui ont fini par être considéré comme conservateurs et qui ont même été ignorés de l’histoire de l’art. En réalité, Adolphe Bouguereau a réellement fait certaines avancées dans les techniques de peinture figuratives et réalistes, particulièrement en peignant de très belles images de femmes et d’enfants. Il peignait des peaux tendres, délicates et transparentes, des regards pures et charmants, faisant apparaître les sujets plus près des réalités magnifiques de la vie. Bien que les œuvres de la période dernière des arts académiques étaient physiquement belles, il semble que leurs contenus manquaient de profondeur et d’éléments inspirant de profonds sentiments. Par conséquent, l’idéal de beauté et les techniques de peinture réalistes n’ont pas continué leur développement vers des niveaux qui aurait créé une nouvelle dimension à la peinture artistique.

3. L’importance de la peinture de portrait

Qu’il s’agisse des styles orientaux ou occidentaux, la peinture de portrait a été le premier thème qui a été porté à maturité. D’un côté cela s’explique par le fait que les artistes avaient tendance à peindre les objets qui leur étaient les plus familiers, alors que, d’un autre côté, les arts sont étroitement liés aux croyances. Tous les arts authentiques trouvent leurs origines dans les temples. Les gens de l’antiquité pensaient que les dieux avaient crée les êtres humains à leurs images et ils utilisaient l’image de l’homme pour représenter une variété de dieux.

Pendant la Renaissance, grâce aux progrès des techniques réalistes, les peintres ne représentaient pas seulement les dieux par des images humaines réalistes et perfectionnées, mais aussi par des images solennelles, bienveillantes, sacrées et glorieuses pour les honorer. Comme les humains sont crées par les dieux et sont l’objet le plus parfait du monde humain, le but des artistes de la Renaissance était d’utiliser ce corps humain parfait pour explorer les possibilités du monde artistique. De Vinci a représenté les sentiments intérieur humains en peignant des portraits aux langages corporels expressifs alors que Michel-Ange employait ses portraits comme un véhicule pour transmettre son essence et ses pensées. Le sentiment esthétique, l’état dynamique, l’esprit et la force démontrés dans son art du corps humain avaient pratiquement atteint le summum de la perfection, ce qui a eu un impact immense sur les artistes de son époque et du futur. De Vinci s’est concentré sur la création de l’atmosphère lumineuse, alors que Michel-Ange a mis l’accent sur la structure et les mouvements du corps humain. Cependant, tous les deux ont ignoré, dans une certaine mesure, le teint et les couleurs de l’apparence.

Les techniques de peinture de portrait réalistes se sont améliorées avec le temps mais le degré de réalisme et d’attention varie suivant les époques et les styles régionaux. Les peintres de la Renaissance pouvaient déjà dépeindre avec vie l’apparence extérieure du sujet et ses sentiments intérieurs. Les peintres de Florence mettaient l’accent sur le dessin et la structure, ceux de Venise se concentraient sur le déploiement des couleurs. À mesure que les tableaux devenaient plus grands, les techniques de dessins sont devenus plutôt concises et les peintures n’étaient généralement pas aussi soignées et exquises que les peintures à l’huile créées sur les panneaux de bois des premiers temps. Pendant la période néo-classique, de nouveaux sommets dans la production de peintures de portraits à l’huile réalistes ont été atteints. Les portraits peints par Jacques-Louis David ne sont pas seulement vivants et réalistes avec des contours brillants représentants la dignité et les dispositions morales humaines, mais ils contiennent aussi une force spirituelle qui contribue à l’élévation de la moralité humaine. Quand aux peintres passionnés du romantisme, les structures de leurs portraits et leurs styles de peinture ne semblent pas aussi exquises que ceux de la période néo-classique.

Parmi les thèmes de la peinture traditionnelle qui dépeint la moralité et les sentiments nobles de l’être humain, les portraits sont l’âme de la peinture. Ainsi, le succès d’un tableau est directement lié à l’animosité des sujets et de la justesse de l’image. Quand les portraits sont peints avec succès, leurs éléments vivants et émouvants peuvent directement toucher le cœur de l’homme, un effet difficilement atteignable par le langage ou les mots. Ceci souligne les avantages de la peinture.

Les valeurs de l’art traditionnel sont une influence positive

Tout au long de l’histoire de l’art, les peintures traditionnelles qui ont été acceptées et aimées par de nombreuses cultures différentes, au cours de nombreuses périodes différentes, défendent des compétences objectives et réalistes, et un sens de pure bonté et de pure beauté. Ces œuvres ne perdront jamais leur valeur, qu’importe la période ou le lieu, car elles se conforment à la bienveillance de l’humanité qui est aussi la norme éternelle des arts.

Les arts peuvent discrètement et imperceptiblement changer et influencer la société humaine, et ces influences peuvent être très profondes. La moralité contemporaine, les notions humaines et l’ordre social doivent être redressés et portés vers un niveau supérieur. Ainsi les artistes doivent être responsables envers la société. De nos jours, une large variété de créations artistiques est réalisée. Des écoles d’art ont été formées puis ont disparu. Interrogez votre conscience et demandez-vous : quelles œuvres touchent vraiment le cœur des gens ? Quelles sont celles qui peuvent guider la société de façon positive ? Et, quelles sont les œuvres éternelles qui peuvent vraiment être admirées et étudiées par des centaines de générations ?

Nous croyons vraiment que l’héritage des concepts moraux droits et traditionnels et la création de belles œuvres purement authentiques et bienveillantes, établiront une fondation qui bénéficiera à la société humaine et préparera l’arrivée d’un futur radieux pour le monde. Nous espérons sincèrement que des artistes sages peuvent comprendre l’importance de leur mission artistique et recréer la splendeur dans l’histoire en participant au Concours International de Peinture de Portrait à l’Huile.